The Girl with the Dragon Tattoo - Frio y cálido.

"The Girl with the Dragon Tattoo", "La chica del dragón tatuado" (Arg./Latinoamerica), "Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres" (España) - (2011 - EEUU - Color - 158 min.)

Un periodista que acaba de perder un jucio por en una causa generada por un artículo en donde descubriría un importante defalco financiero, recibe un trabajo muy bien remunerado para encontrar a la sobrina de un millonario que dsapareció hace mas de 40 años. A su lado se suma una joven y extraña investigadora que colaborará con el en las mas diversas formas para desentrañar un oscuro secreto.

Dirigida por: David Fincher - Protagonistas: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård y Joely Richardson.

David Fincher vuelve a surcar el camino que mejor sabe recorrer. Es que "La chica del dragón tatuado" se erige como un regreso a sus raíces, devolviéndolo hacia un estilo narrativo que le sienta mejor y que parece disfrutar. El film no solo es una remake de una afamado thriller sueco sino que tiene por detrás, como base y sustento, una famosa novela que se convirtió en betseller en su momento. Sin embargo todos estos antecedentes no quitan que la realidad narrativa, como dicen las reviews de vehículos, no traiga demasiadas novedades debajo del capot porque desde el punto de vista argumental el film se nos presenta como un policial muy pero muy clásico colmado de giros más cercanos al cine negro de los ’50 que a una novela moderna, con la única excepción de las adecuaciones que pasan por adaptarlo a la iconografía del siglo 21. En este relato nos encontramos con un "clásico" periodista interpretado por Craig que se asocia, en más de una manera, al complejo personaje de la investigadora privada que lo asesora en la pesquisa. Se trata de una chica que funciona como imagen antagónica del protagonista, alguien que en otros tiempos del cine hubiese sido representada como un alcóholico, en otros como un científico y en algún otro como un yuppie. En el caso del film que nos interesa aparece como nacimiento y modelo de una nueva forma de mujer. Y es este el punto más interesante del film, porque si algo llama realmente la atención en esta realización es la actuación de Rooney Mara dando forma a un personaje que se hace visible como la mujer liberal e independiente que necesita vender el siglo XXI. Un personaje que parece  más delineado con la estética de "SuckerPunch”  y con influencias del comic que cercano a la realidad femenina que nos tiene acostumbrado este tipo de género. Rooney Mara, interpreta a una chica de infancia sufrida que carga y metaboliza este estigma mutándolo en forma de rebeldía social. No solo es una joven que se desenvuelve en forma solitaria y errante por un mundo en donde solo cuenta como herramientas para sobrevivir su habilidad para la tecnología y la segura que muestra de si misma; todas son verdaderas aristas que solo reflejan la complejidad del personaje. El film transcurre en forma lineal  sobre los parajes helados e inhóspitos de Suecia, en donde el periodista es contratado para investigar la desaparición de una joven sucedida hace más de 40 años, durante la primera parte del film los tiempos son largos, es que Fincher trata al relato con mucha cautela y tranquilidad, manteniendo el interés a base de contagiar al espectador no solo el frío del clima y sino también lo poco cálido de sus habitantes. Luego la trama parece acelerarse un poco en la segunda parte cuando la joven detective se une a la investigación creando una visible bipolaridad entre dos personajes de generaciones distintas, cosa que interesa, pero es el magnetismo entre ellos lo que realmente hechiza al espectador. El camino normal del film hubiese sido  caer en el cliché de motorizar la trama  en base a un par de personajes antagónicos que colaboran a distinto nivel para la resolución de un misterio. Pero Finch es sumamente inteligente, se da cuenta que el misterio en sí no es gran cosa ni tampoco da para desarrollarlo, su buen ojo lo pone sobre el real sentido de la novela que trata sobre el desarrollo de los personajes en especial el de la chica. Es que aquí que el verdadero artilugio de la historia pasa por sus protagonistas, un adulto periodista que es un buen tipo pero que no lleva una vida completa, y junto a el una joven que se muestra hermética pero que es sumamente frágil en su interior. El director aprovecha ese contrapunto de estilos de vida para primero generar desconfianza entre ellos y luego apurar la química de una relación y mantener el interés en el desarrollo sentimental casi con el mismo nivel de atención que la trama policiaca en sí. Lo que sí  queda claro es que la historia es tan simple como tramposa, Fincher sabe y entiende que lo policial es solo la cáscara y que en el interior es una historia sobre el amor. Un amor que ya sea de tío a nieta o entre hombre y mujer, es lo único que ayuda a mantener algo de calidez en esos helados lugares.

Mi puntuación: 08/10 

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Sony Pictures Home Entertainment. Con subtítulos en español.

 

 

 

Awake - El despertar del misterio.

"Awake" (2012 - TV - USA - Color - 42 min. aprox.)

 

Creada por: Kyle Killen - Protagonistas: Jason Isaacs, Laura Allen y Steve Harris  

Awake es un rejunte de ideas que tal vez resulten algo atípicas para la TV actual, ideas que se reformulan con formato de serie para conjurar una temática bastante novedosa. Awake es en realidad un producto que bebe de ideas que la literatura y Hollywood en especial rara vez se refieren pero a pesar de ser antiguas son lo suficientemente llamativas y universales para el público logrando mantener su validez con el correr de los años. Esta originalidad, tal vez a medias en concepto pero completa en formato, validan al show hasta convertirlo en uno de los productos más interesantes que entrega la TV internacional actual. Por ejemplo describir la trama central de Awake es un ejemplo de la simpleza conceptual de esas ideas ya que solo nos lleva unas pocas líneas. En ella nos encontramos con un oficial de policía que padece un severo y extraño accidente de tránsito cuando regresa, junto a su esposa y a su hijo adolescente, de una cena; después del incidente su vida se desprende en dos realidades, en una fallece la esposa y su hijo resulta ileso y en la otra sucede todo lo contrario, su hijo adolescente fallece y su mujer queda ilesa a su lado. El factor que termina conmutando los dos estados es el sueño, cuando se va a dormir en una de las realidades termina despertando en otra y cuando duerme en la segunda se levanta en la primera. Esto que puede ya parecer llamativo e interesante de por sí se condimenta en dramatismo cuando algunos elementos terminan funcionando como puentes en común entre las dos dimensiones. Es muy obvio que estamos ante una serie nacida bajo el sigo de “Lost”, la influencia de la serie sobre la "isla" es notorio; en similitud aquí tenemos dos capas de relatos que se mueven uno sobre la otra. La primaria, que es la impulsora dramática de cada capítulo consiste la deducción de los casos criminales que suceden en el episodio, los cuales corren paralelos y simultáneos en cada realidad aunque el protagonista recurra a claves o pistas de un "lado" para deducir la solución del "otro". Ahora la capa base es el componente fantástico donde se monta la historia policial, tal cual “Lost”, esta base de misterio no solo influye en el desarrollo del capítulo en sí sino que se proyecta como nexo global de la historia. El corazón de Awake se nos presentan en las dos realidades, en línea con Matrix tenemos un individuo que vive dos vidas sufriendo la incógnita de reconocer cual de sus existencias es real y cual imaginaria. Esto en metafísica es una clase doble de solipsismo. El solipsismo (del latín “solo uno mismo”) es una versión límite del subjetivismo en donde uno no puede estar seguro si su entorno es real o producto de su mente. Esta falta de claridad que sufre el protagonista para reconocer el entorno “verdadero” es lo más llamativo e interesante de la serie, mas cuando la historia no queda en aceptar todo con un falso misticismo, sino que aquí en las dos realidades tenemos a sendos psicólogos diciéndole al protagonista (inclusive con ejemplos) que su “realidad” es la verdadera y que la otra es falsa. Lo bueno de esta guerra es que no solo es extensa sino que puede convertirse en eterna porque el solipsismo es imposible de refutar, cualquier prueba que se maneje en cualquiera de las existencias no puede ser considerada como válida ya que no se está seguro de lo que los sentidos perciben sean en verdad la realidad. Igual esta disputa es divertida y se convierte en uno de los motores de la narración. Awake no solo promete sino que cumple, presenta misterios motivadores, un inicio sumamente confuso y nexos entre realidades que alteran los casos policiales que se presentan capítulo a capítulo, todos estos elementos forman el cóctel que tanto entretiene al público, más cuando dosificado en el medio se encuentra el ingrediente secreto de lo desconocido.

Don't Be Afraid of the Dark - No tan oscuro como hace 30 años,

"Don't Be Afraid of the Dark", "No temas a la oscuridad" (Arg./Latinoamerica), "No tengas miedo a la oscuridad" (España) - (2010 - EEUU - Color - 99 min.)

Una joven pareja se muda a una mansión que el esposo intenta restaurar para convertirla en un gran negocio, con ellos llega la hija de un anterior matrimonio del marido, una vez instalada la chica comete el error de abrir una chimenea clausurada que es en realidad un pasadizo para que ingresen a nuestro mundo una legión de pequeños y perversos demonios.

Dirigida por: Troy Nixey - Protagonistas: Katie Holmes, Guy Pearce y Bailee Madison.

Si hay algo que llama la atención a los escritores de hollywood son las casas encantadas, las mansiones embrujadas son esos lugares misteriosos que alimentaron el género del terror durante sus primeros 50 años del cine con historias que vinieron, en la mayoría del los casos, de la mano de "monstruos" actorales de la talla de Vincent Price , Peter Cushing o del productor William Castle. Esta nueva producción de terror gótico no llega en forma de remake; porque "Don't Be Afraid of the Dark". está basada en un muy pero muy pequeño clásico de la TV de los años '70 que formaba parte de "Movie of the Week" un ciclo creado por la ABC para competir con las otras cadenas y que incluía películas y pilotos de series de TV  de absoluta calidad, todos ellos filmados en 35mm tal cual son las películas de cine. El "Don't Be Afraid of the Dark" original es una película de terror con bajo presupuesto que cuesta mucho encontrar en DVD (Warner la editó sin subtítulos en español) pero se puede hallar en la web con un poco de esfuerzo. Quien la vea se dará cuenta que es un film realmente modesto pero no por ello menos perturbador, y que a pesar de las incontables repeticiones que sufrió en la TV argentina durante los '70 y '80 la mayoría de las personas se habrán olvidado del film y algunas otras lo recordaran como un mal sueño pero es evidente que no quedo marcada a fuego en el inconciente colectivo cultural. Para empezar "Don't..." nos regresa al clásico terror gótico pero con una pequeña lavada de cara, en ella encontraremos una mansión (una casa mas modesta en el film original) que posee un pasadizo clausurado a otra dimensión, pasa poco tiempo para que la hija del restaurador recién mudado a la casa quite los seguros de dicha puerta y de esta forma libere un grupo de terribles demonios que empezaran a acosar a la protagonista. Desde el punto de vista narrativo hay una clave fundamental para el éxito de las películas sobre casas encantadas, y esto consiste en mantener, en forma creible, a la gente dentro del lugar poseído, porque seamos sinceros, si Ud. está mirando TV solo en su living y aparece un pequeño demonio enfrente suyo con supuestas malas intenciones, lo mas probable es que se tire por la ventana (con los vidrios cerrados), ruede hacia la calle y haga los 400 metros casi tan rápido como un maratonista keniano. Aquí el recurso implementado resulta fácil y adecuado; es que una niña solitaria y con problemas de salud es la única que ve los pequeños duendes y esto ocasiona que ninguno de los integrantes de la familia le crea, por lo cual el sustento de lo inverosímil está garantizado. Volviendo a la película, la misma no resulta una mala producción pero hay varios puntos que le hacen perder fuerza en la relación a su antecesora; el mas destacable es el de las criaturas en sí, en la versión original las mismas tardaban muchos minutos en mostrarse y cuando lo hacían era casi siempre en las penumbras, si a eso le sumamos que los efectos de maquillajes estaban bien logrados el resultado era de uno seres absolutamente aterradores. En la nueva versión se reemplazan las personas por CGI’s y el resultado no es el mismo, no es el mismo porque se muestra demasiado, y muy pronto, dejando muy poco a la imaginación y también porque no se aprovecha del todo la “ingeniería diabólica” de la que hacen gala los seres en el film original, esa ingeniería que consistía, por ejemplo,  en hacer piruetas o pirámides humanas para poder alcanzar objetos punzantes con el fin de dañar a los seres humanos, toda una muestra de que ellos estaban sujetos a las mismas leyes de la física que nosotros a pesar de que son inverosímiles en sí y de que provienen de otra dimensión, un toque diabólico, casi un giro de comedia negra, que asusta en proporciones mayores al humor que puede generar. También falla cuando intenta explicar el origen de los seres (en el film original no se intenta en ningún momento) y a pesar de utilizar una idea sumamente ingeniosa, le quita algo de la fantasía que rodea al film. Pero igual “Don't” es una película aceptablemente interesante que reflota el tema de las casas encantadas; un film que no va a defraudar al espectador medio del cine de terror actual y que se guarda un final sumamente inquietante a total contracorriente de muchas de las producciones de horror actuales. En verdad hay que decir que mas que inquietante es un final, en partes iguales, tremendamente ingenioso y extremadamente aterrador.

Mi puntuación: 06/10 

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Sony Pictures Home Entertainment. Con subtítulos en español.

 

 

Contagio - Primer síntoma, sueño.

"Contagion" (2011 - EEUU - Color - 106 min.)

Un terrible virus es transportado por una pasajera de avión desde Hong Kong a EEUU, el mismo es una cepa muy virulenta de la gripe que amenaza con convertirse en una terrible plaga para toda la humanidad si es que los departamentos de control de enfermedades no logran frenarla a tiempo.

Dirigida por: Steven Soderbergh - Protagonistas: Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Laurence Fishburne, Jude Law y Kate Winslet.

"Contagion" es el último film de suspenso de Steven Soderbergh, un nuevo intento del director de la aclamada "Traffic" de hurgar en su memoria emotiva para reflotar y rehacer el tipo de cine que miraba cuando era joven. Unos años antes había logrado cierto éxito con la remake del clásico del "Rat Pack" "Ocean's Eleven", ahora decide sumergirse en un film que explora por múltiples caminos la expansión de una terrible mutación del virus de la gripe que amenaza con acabar gran parte de la población humana. Lo primero que uno aprecia es que la idea y la puesta en escena no tienen nada de original, en sí "Contagion" entra dentro del cine catástrofe y en particular entre el subgénero de las epidemias. Subgénero que en sí no tiene nada nuevo y que cada cierto tiempo vuelve a reflotar generando un gran interés en el público, algunas muestras de ello son "The Andromeda Strain" (1971), "The Plague" (1978) y finalizando la mas contemporánea  "Outbreak" (1995). Es manifiesto que el film no es nada original, igual esto de por sí no es un problema, porque parafraseando a los grandes realizadores la cuestión no pasa por una idea inédita o cuanto menos interesante, sino como se cuenta por medio de un buen libreto y es sobre el planteo que hace Soderbergh sobre el film donde los resultados flaquean en forma notoria. El director se evade de si mismo, porque expone la película con una puesta en escena sumamente clásica olvidando el nervio y la cámara en mano que tanto rédito le entregó en algunas de sus anteriores producciones. Pero este tampoco es su mayor pecado, sino que muchos de sus mayores inconvenientes pasan por el libreto en sí, un libreto que falla en la premisa fundamental de cualquier film que construya suspenso debe alimentar, porque mas allá de algunas muertes inesperadas durante la película, el film no logra mantener el sustento de lo imprevisible, algo que no es mas que esa "angustia" sobre algo que puede suceder y que no se sabe realmente que es. Es una lástima que un escritor como Scott Z. Burns que tiene bajo el brazo películas como "The Bourne Ultimatum" (2007) o la destacable "The Half Life of Timofey Berezin" (2006) no logre desarrollar una trama que genere incertidumbre o inquietud. Tampoco, hay que ser sincero en esto, ayuda demasiado la dirección de Soderbergh, porque el film parece inciarse en el pico de una montaña con todo listo para rodar cuesta abajo a toda velocidad y después uno termina descubriendo que durante todo el descenso está colocado el freno de mano. Esa es la sensación que transmite el director, el de una película que amenaza creando un importante dramatismo potencial durante los primeros minutos y luego este se va desvaneciendo si entregar grandes resultados. "Contagion" a pesar de estar caratulada de Blockbuster es una película con grandes problemas narrativos, un producto que no entretiene y que tampoco resulta util como vehículo de ideas, Soderbergh insinúa alguna crítica sobre los que se hacen "ricos" a fuerza de los desastres pero lo deja ahí, como haciéndolo de compromiso para no traicionar su conciencia. Tampoco tiene puntajes destacables en las actuaciones ya que las mismas se pierden en el ida y vuelta de las historias y en el "piloto automático" con el que algunos actores parecen encarar el proyecto. En fin, film de media tabla, solo efectivo en contagiar sueño y por que no, algo de aburrimiento.

Mi puntuación: 05/10

Disponibilidad: En cines.

Sorcerer - En tiempos de replanteo del capitalismo.

"Sorcerer" (1977 - EEUU - Color - 121 min.)

Un ladrón que escapa de la mafia, un banquero quebrado y un terrorista de medio oriente deberán transportar por 300 km un cargamento con explosivos altamante inestables para poder apagar un incendio en un pozo petrolero y así lograr escapar hacia un mejor futuro. Entre ellos y su destino hallarán incontables obstáculos tanto de la naturaleza  como también del hombre.

Dirigida por: William Friedkin - Protagonistas: Roy Scheider, Bruno Cremer y Francisco Rabal.

Hay un par de películas que los "intelectuales" del cine (hago la distinción sobre intelectuales no porque sean films elitistas,  relativamente crípticos, o solo aptos para algún grupo en especial, sino porque son bastante difícil de conseguir sea en el formato que sea para el cinéfilo común) eligen indefectiblemente como los mejores films anticapitalistas de la historia, De menor a mayor ellos son: "Salt of the Earth" la primera película puesta en la lista negra de los EEUU durante la década del 50, y al tope de la selección la cautivadora película francesa "Le salaire de lapeur" (El Salario del Miedo, de Henri-Georges Clouzot), un film tremendamente interesante estrenado durante el año de 1953. Mas de veinte años después el controvertido director William Friedkin decidió realizar una remake del aclamado film francés. Que Friedkin sea el director elegido para esta nueva versión americanizada de la película es solo un ingrediente más que agrega sabor a este de por sí polémico film. Es que el gran Friedkin era ya desde hacía algunos años antes un tipo que venía generando ruido en Hollywood, primero saltó a la fama cuando ganó el Oscar con el policial de la nueva ola "The French Connection" y luego ganó la total popularidad cuando rompió las barreras sobre los que se puede decir o ver en el cine con el film "absoluto" de terror "The Exorcist"; jugosas son las anécdotas sobre la filmación de esta última película, donde parece que el bueno del director tenía a todo el elenco aterrorizado disparando un revolver con cartuchos de fogueo, cosa que lograría, según cuentan, mejorar la expresión terrorífica de los actores. Quien con estos antecedentes piense que Friedkin es un tipo que podría encasillarse como comunista, izquierdista, progresista, socialista o cosas similares, les voy advirtiendo que no está por el camino correcto, es que el director se acerca mas a un destructor de límites y barreras que a un tipo que usa sus films para denunciar o transmitir ideologías. Para muestra de que el director no tiene lado ni cree en doctrinas es la realización de su film del año 2000 "Rules of Engagement" una película tremendamente militarista donde se hace apología del ataque a civiles (no me refiero a "terroristas" sino a niños y mujeres embarazadas), una película que pocos, por no decir ninguno,  de los directores aclamados le esquivaría como proyecto. Todo este antecedente parece, de antemano, soplar en contra de lo que transmite originalmente "Le salaire de la peur", pero el bueno de Friedkin demuestra que tiene partes iguales de artesano y mercenario y termina elaborando, no el mejor, pero sí un gran trabajo con esta remake. El director sitúa en centroamérica a un dispar grupo de trabajadores extranjeros contratados que recibirá una importante suma de dinero por transportar una serie de peligrosísimos cartuchos de nitroglicerina  a través de la selva sorteando toda clase de obstáculos  no solo naturales como puentes a punto de derrumbarse, caminos obstruidos, o milicias subversivas sino, también, factores humanos y en particular los referente a la propia rivalidad entre los trabajadores. Si extraemos el componente político del film entenderemos parte del porque del éxito de la película original y de la relevancia de esta remake. Se hace evidente que nos hallamos ante una película de aventuras a la vieja usanza, las secuencias se basan principalmente en la tensión dramática de sortear un obstáculo para poder llegar al próximo y así sucesivamente hasta finalizar en el destino, este juego por casillas es lo que hace extremadamente divertido y mucho mas asimilable que otras películas con relevante carga política, es que aunque el desencadenador de todo; de salir herido, de perder la vida, de poder solucionar los problemas personales, de lograr escapar de ese tórrido país, se resume en el dinero, ese elemento por el cual la mayoría de los hombres arriesgan sus cabezas como si fuera una competencia de vida o muerte, eso no le quita mérito como film de diversión. Políticamente el simbolismo es claro, la desesperación por el dinero y todo lo que esto consigue no solo los degrada a competir y luchar contra la naturaleza del trabajo, con sus congéneres sino que pone en riesgo sus propias vidas. Desde el punto de vista cinematográfico el director hace uso de todas mecanismos que perfectamente conoce, el uso de cámara en mano es constante y permite agregarle algo de nervio como así también de suciedad a la imagen en concordancia el desprolijo poblado, También es destacable la fuerza visual de las imágenes, como el segmento del puente, que es otra demostración de la excelente compresión del lenguaje cinematográfico que posee Friedkin. Por el lado opuesto, el de lo defectos, se le puede achacar cierta falta de ritmo en el relato y una progresión dramática no tan bien logrado, algo realmente atípico en un director tan reconocido. Y algo que también se le puede culpar es de cierto grado de estereotipo estadounidense en los personajes del film, defecto que suena mas a autor que a director. En tiempos donde la forma del capitalismo extremo se encuentra, cuando menos, cuestionada, es bueno darle una mirada a este film ya que su simbología muestra mas sobre dicho sistema económico que cualquier definición de manual. Ahora si Ud. es de aquellas personas que no le dan demasiada trascendencia a los contenidos, viendo esta película seguro que lo sorprenderá un vehiculo de entretenimiento serio, que sorprende por su realismo y por sobre todo que no aburre en lo absoluto.

Mi puntuación: 07/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Universal Studios con subtítulos en español (formato de imagen 4:3 TV estandar). 

Datos Interesantes:

• El papel principal fué ofrecido a Steve McQueen quien declino la oferta para no dejar sola a su esposa del momento, Ali McGraw.
• En la escena de la película se muestra una escultura muy parecida al demonio Pazuzu que aparecia en la película "The Exorcist".
• Un capítulo con temática similar es mostrado en una de las temporadas de la serie de TV "Little House on the Prairie" (La Familia Ingalls). 

Cowboys & Aliens - Pesadilla para adultos.

"Cowboys & Aliens" (2011 - EEUU - Color - 118 min.)

Un ladrón de diligencias se despierta totalmente amnésico en el medio del Oeste norteamericano  portando un extraño brazalete metálico. Cuando se dirige a un pequeño pueblo en busca de ayuda descubrirá, para su terrror, que el mismo se encuentra sitiado por unos tenebrosos seres extraterrestres.

Dirigida por: Jon Favreau - Protagonistas: Daniel Craig, Harrison Ford, Olivia Wilde y Sam Rockwell.

"Cowboys & Aliens" posee varias aristas para afrontar desde una crítica. La idea principal parte de un concepto bastante atípico, un  mix entre western clásico y film de ciencia ficción. Esto que a primera vista parece una mezcla heterogénea y dificil de fusionar resultan en el fondo la combinación de dos  universos totalmente imaginarios, porque al día de hoy no solo los ET's en general son pura ficción y especulación sino que la otra mitad de la historia también lo es. Porque si hay algo en hollywood que es casi tan imaginario como los platos voladores, es  la melancólica visión sobre el viejo oeste norteamericano que exporta la industria del cine, un lugar mítico que nunca existió poblado de pequeños pueblos llenos de pistoleros que se retan a duelo en todos los atardeceres o de grandes robos a bancos, diligencias y trenes. Pero no nos vayamos mucho del tema, "Cowboys..." es un falso amigo, uno prejuzga desde el inicio, y sin haber leído las críticas y menos visto el film, y tal vez solo por la cartelería que se trata de una producción dirigida hacia el público infantil o preadolescente, y a los pocos minutos de verla uno se entera que estaba totalmente equivocado. La causa pasa porque detrás del film hay personajes "pesados" del mundo del cine y la TV, viendo los títulos uno se va a encontrar con las lucubraciones de tipos de la talla de Steven Spielberg, un Spielberg mucho mas oscuro que el creado de ET, y también con la de los clásicos y "torcidos" escritores de J. J. Abrams (Roberto Orci, Alex Kurtzman y Damon Lindelof)  y sumado a eso un maduro Jon Favreau que terminan puliendo un producto que resulta sumamente novedoso. Novedoso porque engaña, también desde los caminos a recorrer dentro de los géneros del cine, porque lo que comienza como Western apunta luego en dirección a la ciencia ficción, pero en realidad uno no le lleva mucho tiempo para ver que todo se decanta en un film de aventuras al mas puro estilo entretenimiento al cual nos tiene acostumbrado el cine norteamericano actual. Pero igual el corazón del film es un lugar muy oscuro, porque disfrazado con cosmética de western relajado o con toques de ciencia ficción de los años '50 se nos presenta un cuento sumamente sombrío que trata sobre los tenebrosos e invencibles demónios que nos acosan en nuestras pesadillas y que terminan por materializarse. "Cowboys & Aliens" es un film complejo, hecho casi exclusivamente para adultos y con una bajada de idea sobre la unificación de lo heterogéneo para poder luchar contra lo foráneo sumamente discutible. No creo que encontremos una narración tan tenebrosa disfraza de cuento desde la insuperable "The Night of the Hunter", por supuesto que "Cowboys..." no le llega ni siquiera a los talones del film de Robert Mitchum pero logra entretener de una forma extraña y eso alcanza para superar las metas del Hollywood de hoy.

Mi puntuación: 07/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Universal Studios. Con subtítulos en español a partir del 06/12/2011.

Transformers: Dark of the Moon - Habilidad sin lujos

"Transformers: Dark of the Moon" (2011 - EEUU - Color - 154 min.)

Los Autobots y los Decepticons se ven envueltos en una peligrosa carrera espacial en la Tierra entre los EE.UU. y Rusia, donde un acontecimiento amenaza con provocar una guerra tan grande que ni los propios transformers puede que sean capaces de salvar nuestro planeta.

Dirigida por: Michael Bay - Protagonistas: Shia LaBeouf, John Turturro, John Malkovich y Frances McDormand.

Se dice que hay tres generaciones de directores de cine, la primera es la que nació junto con el séptimo arte y que se formo "desde abajo" empezando, muchos ellos, en los grandes estudios como cadetes o ayudantes y terminando como directores; en este segmento podemos encontrar genios como Alfred Hitchcock o "todoterrenos" como William Wyler. La segunda generación, que es personalmente mi preferida, está compuesta por los directores que surgieron de las escuelas y universidades de cine durante la decada de los '70 y '80, en ella podemos encontrar tipos de la talla de Martin Scorsese, Brian De Palma, Francis Ford Coppola, o al mismísimo Steven Spielberg. La próxima generación que es la nueva,  digamos por así decirlo la vigente es la responsable de la mayoría de las producciones que inunda el hollywood actual, es la que nació y se gestó en el mundo de la televisión y del videoclip musical. En el segmento uno encuentra de todo, hay tipos muy capaces como Steven Soderbergh o insufribles como Len Wiseman. En a medio camino entre ambos está Michael Bay, un director acostumbrado a dirigir películas de gran presupuesto y con grandes e importantes actores por detrás y Transformers: Dark of the Moon no escapa a ninguna de estas dos premisas. El film es la tercera entrega de la saga y vuelve a cobrar efectividad después de su muy pobre e infantil predecesora. The Dark... es efectiva porque cumple con algunas de las fantasías y deseos que son lineales a casi todas las edades del público, porque la verdad es que ver robots gigantes en lucha, destrucción masiva de edificios y mujeres hermosas es permeable a cualquier persona que guste de un momento de diversión. Los punto acertados pasa pos reducir el factor "infantil" que dominaba casi toda la anterior entrega, no es que esto desaparece en forma completa sino que al igual que los chistes simples y pensados para niños estos son minimizados a un grado aceptable para un público post-adolescente o adulto. Otro acierto es que el director logra mantener la tensión dramática en forma casi plana durante todo el metraje y con una destacable ausencia de "baches" importantes en la historia gracias a giros y soluciones expuestos con los tiempos correctos, todo un mérito que viene de la mano de un escritor bastante correcto como es Ehren Kruger. Los puntos bajos son los de siempre, y que tienen que ver mas que nada con la propia idiosincrasia del director, no es que Michael Bay sea un mal artista y mucho menos un pésimo artesano sino que su propia génesis lo obliga trabajar todo el film con prisa y sin pausa como si se tratara de un videoclip de dos horas de duración, en el cual se abusa tanto de la edición frenética como de los planos cortos y los travelings incesantes. Uno cree, y esto lo digo a título personal, que el director desarrolla todas sus películas de esta forma como haciendo una marca o firma laboral mas que por una falencia para encarar sus proyectos con otro enfoque, una muestra de ello es visible en los primeros quince minutos de su anterior producción "The Island " donde uno se percata que Bay es capaz de construir relatos mucho menos frenéticos y con mas suspenso en forma totalmente efectiva. Igual "Transformers: Dark of the Moon" sale ganando en la balanza general, mas allá de que podría construirse en algo más poderoso siempre uno debe tener en cuenta que estas producciones, por una cuestión monetaria, debe ser potables para todos los segmentos de edad, tanto para niños pequeños como adultos mayores, para fanáticos de los dibujos originales o también para completos neófitos del tema. Efectivamente no cabe duda que es un producto que va a terminar satisfaciendo a propios y extraños  y que termina resolviéndose como un divertimento moderno y frenético que hará que uno salga contento de la sala de cine aunque a los pocas horas se olvide casi por completo sobre que trataba la película.

Mi puntuación: 06/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - DreamWorks Home Ent.

Crazy, Stupid, Love. - El eterno juego del amor.

"Crazy, Stupid, Love" (2011 - EEUU - Color - 118 min.)

En un matrimonio de años la esposa le confiesa a su marido que le fué infiel con un compañero de trabajo, es en ese contexto que el esposo le pide el divorcio y tiene que volver a comportarse como un soltero después de muchos años de estar casado. Es en eso que recibe la ayuda de un apuesto joven que se transforma en su maestro en el arte de conquistar mujeres.

Dirigida por: Glenn Ficarra y John Requa - Protagonistas: Steve Carell, Julianne Moore, Ryan Gosling y Marisa Tomei

"Crazy, Estupid Love" me llegó por recomendación de mi amigo Ricardo que anteriormente me había aconsejado mirar la excelente "How to Lose Friends& Alienate People". Es un placer decir, y con absoluta seguridad, que nuevamente no se equivocó. "Crazy..." es una comedia que trata sobre lo complicado de las relaciones de pareja, sobre los amores eternos, los no correspondidos y en particular sobre la esperanza, es un film que tiene una mínima cuota dramática (créame, muy pero muy poco) pero que se ve eclipsada por el gran humor que desprende y por sobre todo por mantener un ritmo de entretenimiento muy alto durante casi toda su proyección. Estamos ante un film que en apariencia es sumamente moderno: tenemos ambientes postmodernista, nuevos estadios entre las relaciones hombre/mujer (y visceversa), comunicaciones por telefonía móvil, fotos subidas de "tono" y un montón de cosas mas que la marcan como una película contemporáneo, pero si la despojamos de todas esas cuestiones cosméticas veremos que en el fondo hallamos en su forma (casi) pura una actualización de la comedia de enredos (Screwball Comedy) que tanto pobló los cines como divirtió al público durante los años '50 y '60. Es que créame estimado lector que es un film de enredos muy divertido, tenemos a Steve Carrel que personifica a un marido algo apático pero seguro del amor que siente por su esposa, también a una Julianne Moore que proyecta el tono justo de mujer perturbada por una crisis de madurez y un Ryan Gosling que trabaja como "sensei" de Steve Carrel y que logra junto a el algunos de los mejores momento cómicos de la película. Para destacar hay un par de punto altos en el film, el primero es sobre la madurez invertida, en donde se vislumbra que los jóvenes de la película parecen ser mas sensatos y concientes de sus sentimiento y la forma de expresarlos que los mismos adultos, son ellos los que expone mas clara lo que sienten y obran de manera clara en contrapartida de los adultos que contradicen sus propios sentimientos. Otra de los puntos altos es la herramienta narrativa que usan los directores, y  que es a su vez, es la forma que hace mas interesante toda la película; me refiero al "punto de vista de Dios" uno percibe, tal cual el director expone, como las historias de amores discurren en forma paralela y el espectador es el único que ve todo y asocia los senderos que llevarán a crear los encuentros amorosos, algo que los protagonistas aparentan ignorar a pesar de pasar delante de sus narices. Sin embargo algunos caminos no son extraños sino tramposos, es que acertadamente los guionistas del film nos llevan por algunos lugares con el solo propósito de confundirnos y lograr un final sumamente interesante y por demás de divertido. Como epílogo podemos decir que "Crazy..." es una película que mezcla la misma dosis de comedia y romance, que se desarrolla con buen ritmo, que tiene un reparto de estrellas que se las ve y se palpan cómodas en sus papeles, y que puede pecar de falta de originalidad o de bajar algún discurso "naif", pero de por hecho que compensa estas y sus otras falencias con humor y con grandes dosis de amor, amor que termina seguro desbordándose sobre los espectadores.

Mi puntuación: 08/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Warner Bros. con subtítulos en español a partir del 01/11/2011).

House Season 8 - La luz al final del camino.

Nadie duda en estos tiempos que House M.D. pasará a la historia como una de las mejores series por capítulo de toda la historia de la TV, tampoco nadie duda que después de ocho temporadas estamos ante un modelo totalmente agotado. Es que el famoso doctor, que en sus orígenes fué impulsado por David Shore, catapultó a un casi desconocido Hugh Laurie a convertirse en un personaje complejo y totalmente cautivador que termina siendo el  mandamás de una trama relativamente intrigante para el público como son los misterios médicos dentro de un complejo hospital. Tanto logró el House de Laurie que se ganó a todo el público televidente, primero porque detrás de la coraza de tipo osco, repulsivo y egoista que expone, uno termina intuyendo que se esconde una persona con problemas en el alma y que si uno excava un poco más se encontrará con un tipo de corazón noble. Sin embargo esto último no resulta su característica mas cautivante y que "enamora" al público, porque el verdadero atractivo pasa por que el es una anomalía en sí. House es un hábil profesional construido por un añadido de personajes, por un lado sabemos, incluso dicho por los mismos autores que es una  extrapolación del Sherlock Holmes de Sir Arthur Conan Doyle, pero además del famoso detective tiene mucho de la frialdad de otro célebre personaje de TV.  En el capítulo 24 ("No reason", Sin razón) de la segunda temporada, House se encuentra con la esposa de su paciente, una mujer extramadamente bella e inteligente que se halla casada con un hombre poco agraciado fisicamente y spara colmo sin dinero, es aquí que el doctor le dice a la mujer "Ud. es un 9 , su marido apenas un 5... hay algo que no funciona...". En el capítulo 6 de la tercera temporada de Star Trek ("Spectre of the Gun") parte de la tripulación del Enterprise es transportada a un planeta que es transformado en una recreación del evento histórico "Duelo en Tombstone", es allí donde uno de sus miembros, el Sr. Spock, se percata que la realidad física no es lo que se percibe y que la misma se encuentra alterada. Esto no es mas que una muestra de lo que el buen doctor es, no solo razonamiento sino que House tiene tanto de Sherlock Holmes, como del Sr. Spock de Star Trek o del Columbo del recientemente desaparecido Peter Falk, es un tipo que no solo es una anomalía en sí sino que las anomalías le molestan y lo torturan avisándole que algo no funciona; ver esas pequeñas cosas o detalles que se nos pasa desapercibido a la mayoría de nosotros actuan como alarmas para su intelecto y su razonamiento deductivo, y la gente ama eso. Porque uno disfruta del tipo que une cosas y saca conclusiones correctas a partir de casi la nada, situaciones que terminan pareciéndose mas a la magia o a un acto divino; y House es todo eso es, es mago y  es dios pero sobre todo es un "mala leche" simpático.
El Dr. House del primer capítulo de la temporada 8 es una muestra de lo mejor del personaje, un tipo que se muestra inteligente y efectivo en el manejo del poder de la misma forma a como lo haría un agente secreto y  sea el entorno que sea. En este caso el amigo termina en la carcel por haber atacadado a su jefa y desarrolla un increible capítulo (como todos los iniciales de esta serie) sin recurrir a la consabida fórmula del misterio médico. Es sumamente evidente que estamos ante el fin del ciclo, pero cambiando inteligentemente esquemas y componentes estoy totalmente seguro el Dr. se va a retirar con la frente bien alta.

Charlie's Angels - Los ángeles nunca mueren.

"Charlie's Angels" (2011 - TV - USA - Color - 42 min. aprox.)

Tres hermosas jóvenes son reclutadas por un enigmático jefe del cual solo conocen su voz para trabajar como detectives privadas y resolver casos que quedan al margen del trabajo policíaco.

Protagonistas: Rachael Taylor, Minka Kelly, Annie Ilonzeh y Ramon Rodriguez

Charlie's Angels es un nuevo capítulo de un Hollywood ausente de nuevas ideas. Como ya lo intentó anteriormente con Hawaii Five-0, aquí trata de aportar algo original a la TV reflotando una serie clásica de los años '70 como era "Los Angeles de Charlie's". Los "Charlie's Angels" del siglo pasado se beneficiaba de una coyuntura especial, inicialmente nacía en una TV plagada de policiales "buddy cop' s" que expelían litros de testosterona, casos claros son las series emblemáticas como "Starsky& Hutch" o "The Streets of San Francisco"; y es sobre este especial entorno donde emerge el grupo de investigadoras privadas que resolvían toda clase de casos policiales recurriendo a la destreza, al engaño o simplemente a sus atributos personales. Las chicas protagonizaban una serie que tal vez podía pecar de la inocencia conceptual que los productos televisivos de hace treinta años inferían en sus historias y en su desarrollo; una época en donde los buenos son absolutamente buenos y los malos son malos sin grises. A pesar de esto la serie fué un verdadero éxito por cinco temporadas, en especial por sus protagonistas, porque nadie puede dudar que tanto la sonrisa de Farrah Fawcett (o su posterior reemplazante, Cheryl Ladd), o la escultural Jaclyn Smith cautivaban el corazón de cualquier chico o adolescente de la época y a su vez su presencia física funcionaba de modelo para las jóvenes adolescentes que dejaban su rol de mujer ama de casa para convertirse en participante activa de todas las disciplinas.Obviando la belleza de las chicas, porque esto puede parecer un análisis algo frívolo, la serie como entretenimiento resultaba bastante fresca e innovadora mas que nada por el factor de originalidad, y es que salvo el caso de la antecesora "Police Women", no existía la mujer como un rol diligente dentro de una serie policiaca y las chicas demostraron que lo podían hacer perfectamente bien por seis temporadas.

La nueva serie parece acaparar mucho del espíritu de la vieja pero termina en realidad acercándose un poco mas a las dos versiones cinematográficas protagonizada por Cameron Díaz, es que detrás de la producción (debe leerse: quien pone el dinero) se encuentra Drew Barrymore quien concebió a esta remake mas cercana a su imaginario que a ser una copia clónica y reestilizada de la original. Aquí las chicas no escatiman en golpes de karate, en escalar edificios o en usar miles de gadgets electrónicos para poder terminar sus trabajos. Tampoco el montaje es como en la serie antigua, aquí tenemos cortes frenéticos, múltiples travelings y toda una batería de recursos televisivos para mantener el interés de los espectadores acostumbrados a la cultura del videoclip. También podemos agregar como diferencia que el papel de John Bosley (el fallecido David Doyle) pasa de ser de un supervisor casi de escritorio a un apuesto “jefe” que interviene activamente en las misiones. Para finalizar en este compendio de diferencias, el tema de las protagonistas es otra cosa a tener en cuenta, son chicas, sin ninguna duda, muy lindas pero le faltan el glamour de sus antecesoras, a pesar de que vistan de forma excepcional, y se la pasen de fiesta en fiesta es claro y notable que aún se les nota un poco tensa y eso les quita el encanto que irradiaba el trío original. Ahora las palabras finales; si uno hace un poco de memoria (en verdad mucha) o tiene el privilegio de poder ver el capítulo piloto de la serie de los ´70 se dará cuenta que este resulta absolutamente común y para nada interesante, esto no pasa en esta nueva remake que posee bastante acción, maneja muy bien los tiempos sin aburrir y que además no duda en jugársela con una importante carga dramática promediando el capítulo. Pero si hay algo que uno percibe desde el comienzo, es el de no haber cambiado el sentido de la serie original manteniendo un espíritu descontracturado que lo lleva a uno a pasar de alto los huecos del guión y a pensar en solo disfrutar un buen momento. No se si los  ángeles son eternos pero de algo estoy seguro, estas tendrán una larga vida.

Juggernaut - Un crucero en aguas embravecidas

"Juggernaut" (1974 - Inglaterra - Color - 109 min)

 

Un lujoso crucero de placer se encuentra navegando en el medio de una tormenta que se abate sobre el Mar del Norte. La policía recibe una llamada advirtiendo que hay múltiples explosivos escondidos en dicho barco y que si no se deposita una importante suma en libras las bombas estallarán hasta hundir el barco.

Dirigida por: Richard Lester - Protagonistas: Richard Harris, Omar Sharif, David Hemmings, Anthony Hopkins, Shirley Knight y Ian Holm.

Durante la década de los '70 el cine de aventuras, que constituían los blockbusters de los años '50 y '60, había mutado para resurgir como el famoso cine catástrofe, por este género pasaron films que mostraban aviones a punto de caer, barcos haciendo "vuelta de campana", montañas rusas descarriladas y edificios en llamas; lo significativo es que no solo divertían al público de la época ávido de ver este tipo de calamidades, sino que cada uno de ellos no dejaban de redituar importantes sumas de dinero a los estudios. Juggernaut resultó ser la respuesta inglesa al aluvión de este tipo de films, es una de esas películas que al estilo de "Ice Station Zebra" formaban parte, como cartelera destacada, en la doble programación de los cines de hace mas de 30 años. Juggernaut es típicamente y por sus componentes un "disaster film", en el abundan todos los estereotipos que nos tenía acostumbrado el género, como ser: cast de actores importantes, historias preliminares banales, rescates fallidos y una tensión dramática que crece en paralelo con el progreso del desastre. Igual Juggernaut, a pesar de utilizar como escenario de desarrollo el remanido barco a punto de hundirse, traza una serie de diferencias importantes con sus contemporáneas, para empezar el film navega mas cerca del tecno Thriller que del cine catástrofe en sí y su mecánica interna  trabaja mas con la tensión que genera el desastre potencial que el real. Durante su desarrollo la mayoría de los mejores y mas atrayentes momentos de inquietud ocurren cuando el equipo de expertos en explosivos, que encabeza Richard Harris, intenta desactivar las bombas que se encuentran plagadas de dispositivos electrónicos "cazabobos", legando casi la totalidad del resto de las escenas, muchas de ellas efectivas,  para que funcionen como secuencia de enlace entre las verdaderos puntos altos que son el desarme de los explosivos, las otras diferencias con sus similares las impone el director. Es que el artesano detrás del film es Richard Lester, conocido en el mundo del cine por haberle serruchado el piso a Richard Donner durante la filmación de Superman 2, situación que lo puede opacar en lo ético pero no en su faz artística tal cual Lester ya había demostrado holgadamente con obras como la divertida "The Three Musketeers" con Oliver Reed y Richard Chamberlain o con la película documental sobre los Beatles "A Hard Day's Night". Para esta película Lester se sirve de una de las herramientas narrativas mas efectiva del cine como son los relatos en paralelo, por un lado tenemos el "disaster film" puro que constituye el drama del crucero en alta mar colmado de explosivos que un grupo de la marina intenta desactivar poniendo en riesgo a toda la tripulación y los pasajeros. Por la otra banda se desarrolla un thriller policíaco cuando vemos a las fuerzas del orden formar un equipo investigativo con el fin de dar con el paradero del terrorista que armó las bombas, segmento que funciona de por sí solo con pura lógica y planteamiento de película policial. Juggernaut es un film totalmente disfrutable y que al día de hoy ha soportado perfectamente el paso del tiempo, mucho del merito le pertenece al director que no duda en usar recursos como la cámara en mano para dar nervio al relato o alternar las historias paralelas para mantener el dinamismo del relato. Entre los defectos tal vez se le pueda cuestionar el planteamiento incompleto de algunos personajes o las historias que se disuelven con los minutos, pero estas imperfecciones eran y son, mas que nada,  clichés habituales del género. Pero el plato fuerte viene con las escenas en donde se neutralizan las bombas, a pesar de que pueden resultar algo excesivas en longitud son perfectas muestras de construcción de suspenso y que siguen llamando la atención 35 años después de su estreno.  Si a Ud.  todo esto no le alcanza piense que presenciará a una de las camadas de actores británicos que mas influyó, y algunas lo siguen haciendo actualmente, en la pantalla grande, tipos de la talla de Richard Harris, David Hemmings, Anthony Hopkins o Ian Holm; en lo personal creo que esta sumatoria alcanza y sobra para darle una pasada por el DVD.

Mi puntuación: 07/10


Disponibilidad:
DVD Zona 1 - MGM/UA con subtítulos en español. 

How to Lose Friends & Alienate People - Camino directo a la risa y al romance.

"How to Lose Friends & Alienate People"  (2008 - EEUU - Color - 110 min.)

El editor de un pequeño Magazine inglés sobre escándalos de  Hollywood  tiene la oportunidad de su vida al ser contratado en la revista Newyorkina mas prestigiosa del medio. Ahora su simple universo se chocará con el complejo mundo del espectáculo generando un importante cambio en su vida.

Dirigida por: Robert B. Weide - Protagonistas: Simon Pegg, Kirsten Dunst, Gillian Anderson, Jeff Bridges y Megan Fox.

Llegue tarde a esta película, sino fuese por un amigo que me la recomendó seguro me hubiera perdido la que es para mi, y al menos hasta el día de hoy,  la mejor comedia de Simon Pegg. La verdad es que no todo es mi culpa porque "How to Lose..." siendo muy pero muy superior a su homóloga (cuanto menos estructuralmente) "The Devil Wears Prada" contó con menos repercusión mediática y pasó casi desapercibida (especialmente en LA) tanto para el público como para la crítica especializada. Pero vayamos al film; aquí Simon Pegg interpreta al periodista Sidney Young quien es como se dice en argentina un auténtico "pelotudo" (un especie de idiota extrovertido y de alta exposición) que se dedica a colarse en las fiestas privadas del mundo del cine para después escribir, en su modesta revista, columnas escandalosas sobre los actores. Pero un día su vida cambia y es contratado por el director de la importante revista "Sharps", un excelente (Jeff Bridges) para realizarle notas a los famosos y es ahí donde el amigo Simon Pegg se mete en innumerables situaciones cómicas al adentrarse en un mundo totalmente diferente al suyo.

"How to Lose...",  se basa en las memorias de Toby Young quien relata su fallido intento de éxito cuando trabajaba como editor para Vanity Fair magazine. "How to Lose..." es en definitiva un film de cenicienta, una película que marca el cambio de universo de un tipo común que empieza a rodearse de todas las cosas que los hombres desean íntimamente en su interior: fama, dinero, mujeres hermosas, y poder. Generalmente, dicen los psicólogos, que cuando uno alcanza las fantasías mas íntimas estas terminan transformándose en pesadillas, esto es algo que el amigo Simon Pegg parece vivir en carne propia porque durante todo el film vemos los problemas que le ocasiona, a un tipo sincero de corazón, irrumpir en un mundo donde la competencia desleal, el trafico de poder y la artificialidad parecen moneda corriente. Si prescindimos de algunos estereotipos simplistas de Hollywood, especialmente en lo que se refiere a los actores y la gente de dinero, nos encontramos ante un film superior a la media y que posee múltiples lecturas, muchas frases inteligentes y un romance que completa un círculo casi perfecto. Pero lo que mas sabor le entrega al film es el  ingrediente secreto que le agrega el director Robert B. Weide, un tipo acostumbrado a trabajar con Larry David en "Curb Your Enthusiasm", y que consiste en utilizar asiduamente el anticlimax; Weide no duda en hacer roncar a la protagonista en el medio de una de las escenas mas románticas del film como tampoco titubea en agregar un chiste cuando la pareja sufre un serio colapso. Esto que parece poco "serio" es en realidad lo que eleva la calidad artística de la película y la separa de sus similares, especialmente en un género que la meca del cine parece haberle perdido la mano. "How to Lose..." es una película muy pero muy interesante, también decididamente sincera, que ama al cine mismo; es a su vez divertida y con una química entre protagonistas mas que notable, a eso se incorpora un reparto con actrices famosas que hacen de ella misma o que terminan interpretando el antagónico del papel en el que habitualmente las vemos. Todo esto se junta, se mezcla y termina diluyéndose en algo mucho pero mucho mas cautivador, como es el romance y las risas.

Mi puntuación: 08/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - MGM/UA con subtítulos en español.

Blitz - Viejas ideas en nuevo envase.

"Blitz"  (2001 - Inglaterra - Color - 97 min.)

Un serie de asesinatos en contra policías se perpetran en la ciudad de Londres, un agente border y extremadamente violento es puesto en el caso junto con un oficial políticamente correcto. Esta pareja heterogénea intentará cercar al criminal por todos los medios posibles.

Dirigida por: Elliott Lester - Protagonistas: Jason Statham y Luke Evans

Blitz es un policial bastante correcto, discretamente trazado, tal vez algo desparejo pero que mantiene apreciablemente el interés durante todo su metraje. Blitz nos presenta al recio de Jason Statham regresando a su país de origen para construir un film menos violento y algo mas elaborado que sus últimas actuaciones, aquí encarna a un oficial, que junto a un compañero de trabajo diametralmente opuesto, deben seguir los pasos de un asesino serial de policias. Esta breve descripción de la trama nos lleva prematuramente a pensar que estamos ante un film completamente común y que nada aporta en el horizonte de los Thrillers; y la verdad estimado lector si Ud. pensó así se encuentra completamente en lo cierto, porque mas allá de los títulos de introducción en formato moderno, la activa musicalización con guitarras, la rápida edición y los abundantes travellings, asistimos ante una película policial típica de los años '70 en casi todos sus clichés. Debajo del capó hay muchas cosas vistas y ensayadas desde hace años en esta clase de producciones pero con una cosmética diferente. Lo primero que se hace obvio que el personaje de Statham es un claro "Harry el sucio" pero con claros problemas psicológicos que funcionan como instrumentos políticamente correcto para justificar su violencia primitiva, también su compañero es todo un estereotipo de los viejos films al representar a un oficial disciplinado, inteligente y apegado a las leyes, imagen especular que permite que esta pareja de "buddy cops" funcione bastante bien, aún cuando no compartan juntos mucho tiempo en pantalla. Ahora si hablamos del film en sí mantiene este logra mantener el interés por varios factores, en la primera parte traza un montón de líneas y personajes que uno espera que se crucen para ayudar en el desarrollo pero en realidad terminan trabajan en paralelo con la trama sin aportar nada que justifique su presencia, igual esta prolongación por falsos caminos tiene cierto mérito al postergar el despliegue de piezas, algo que al cine actual lo sufre al no poder doblegar su ansiedad, tal vez por miedo a que el público se levante de la butaca, y termina soltando toda la introducción en pocos instantes. Luego hay otro valor importante, a la usanza de los viejo policiales, el asesino descubre su identidad a muy pocos minutos de comenzar sus delitos, ejercicio difícil porque fuerza inexorablemente la trama (mas allá de la variaciones) a desembocar puramente en una cacería de gato y ratón, tarea que permite un mayor despliegue actoral dado que toda la carga emotiva cae en forma irremediable sobre los interpretes. Mas allá de que Blitz es un film de dispares resultados, sobre el final hay una sorpresa poco esperada, obviando la identificación emocional que cada uno tenga con los personajes, la desacostumbrada escena termina convirtiéndose en algo puramente cuestionable desde la ética, porque el cine no solo es entretenimiento sino también vehículo transmisor de cultura e ideas, y hay emociones elementales que uno no puede dejar de sentir al ver un film y no tiene porque sentirse culpable por eso ya que es la función primaria del cine, pero la pantalla también educa y transmite conceptos y lo que "baja" en este caso no es lo recomendable. En definitiva, vea el film y si quiere después lo discutimos.

Mi puntuación: 06/10

Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Millennium Entertainment con subtítulos en español.

Devil Dog: The Hound of Hell - Miedo sobre cuatro patas.

"Devil Dog: The Hound of Hell"  (1978- TV - EEUU - Color - 95 min.)

Una familia norteamericana compra un cachorrito de ovejero alemán; con el tiempo el perro va creciendo los accidentes y problemas van afectando el entorno familiar, esto lleva al padre a empezar a desconfiar de la naturaleza de su adorable mascota.

Dirigida por: Curtis Harrington - Protagonistas: Richard Crenna, Yvette Mimieux y Kim Richards

"Devil Dog: The Hound of Hell" es uno de esos telefilm que inundó la TV argentina a comienzo de los años '80; generalmente estos productos eran protagonizados por actores de cierto renombre y basaban su trama sobre ligeros dramas cotidianos y la simple interacción entre los personajes en lugares acotados, ejercicio que terminaba mas cerca del serial que del cine mismo. Sin embargo hay un puñado de honrosas  excepciones, por ejemplos algunos films de acción, muchos de los cuales se terminaron convirtiendo en series, y varias películas en clave de ciencia ficción y terror. El film que nos interesa entra en este último grupo. "Devil Dog..." es lisa y llanamente una remake de la exitosa "The Omen"  estrenada con un par de años de anterioridad, al que se le realizó un par de cambios cosméticos como es permutar el personaje catalizador de la trama, pasando de un niño a un perro, Es muy fácil para el espectador comprobar que el film sigue todos los pasos en forma compatible con su predecesora, está presente la familia feliz, también el buen pasar económico, la alteración del orden establecido, los desgraciados "accidentes" y el viaje al exteriror buscando la génesis de la criatura. A pesar de estos puntos en común que oscurecerían cualquier remake porque generalmente están menos logrados que en los films originales, este telefilm logra salir airoso a la comparativa y esto no es gracia a los efectos especiales o a una generosa producción sino que se debe al buen pulso del director Curtis Harrington. Harrington ya habia producido un Thriller gótico  destacable llamada "Game" en donde mostraba su oficio de buen artesano visual. creando composiciones de plano mas que interesantes, y en el film que nos interesa no se queda corto. Mucha de la magia para mantener el suspenso y sobresaltar al espectador se debe a como coloca la cámara para perturbar al público que ve convertido a un apacible ovejero alemán en la encarnación misma del diablo. Mas allá de la férrea dirección el film cumple medianamente con su objetivo, si dejamos de lado el aspecto técnico y los FX's nos encontramos con una historia que no pierde tiempo en larga introducciones ni en puntos muertos que no llegan a ningún lado, uno a los pocos minutos sabe de que se trata y a partir de ahí la trama se lanza sin freno hasta su desenlace. Dicen los especialista en cine que las historias de terror hay que verlas quitándole el componente horrorífico y dejando solo la historia, si hacemos esto podemos ver a una familia que es perturbada y corrompida por un poder externo, esto nos permite desarrollar miles de teorías sociopolíticas sobre EEUU en la era pre Reagan, pero en lo personal no creo que el tema pase prioritariamente por esa cuestión, imagino mas que su construcción fue influenciada, aparte de concebirse como remake televisiva de "The Omen", por la popularidad que los cultos religiosos y las pseudociencias que florecieron en la sociedad durante los años '70, una mecha que encendió "The Exorcist" y que todavía no se apaga. Finalizando, si Ud. es un nostálgico, o si le gusta el cine de terror a la vieja escuela, o si disfruta de una película que no depara en los efectos especiales o si es amante del cine clase "B", o si simplemente quiere ver al "papá" de Rambo haciendo un personaje mucho mas blando, seguro se va a llevar una buena sorpresa con este film, eso sí la sorpresa no solo lo va a sobresaltar sino que ,posiblemente, también lo asuste.

Mi puntuación: 06/10


Disponibilidad:
DVD Zona 1 - Bluray Zona A - Allegro Entertainment sin subtítulos en español (no son difíciles de conseguir en la red).